洗脑百万网友，《大展宏图》做了啥？

华语乐坛洗脑神曲又双叒叕更新了。

先是有憋佬仔的《八方来财》，现在又来了个《大展宏图》。

歌词里堆砌着“财源广进”“步步高升”，旋律仿佛由电子木鱼和赛博铜钱声合成。

歌词直白、旋律简单、节奏魔性。

这些被称为“洗脑神曲”的作品，正以流水线式的速度更新换代，成为互联网时代华语乐坛的“新顶流”。

乐坛正在批量生产洗脑歌？

要说这些歌有多火呢？

这个主唱已经超过周杰伦了。

在这之前谁能想到，在Spotify超越周杰伦的会是一个说唱歌手。

早期的《小苹果》《最炫民族风》至少还在歌颂爱情或生活，如今的《大展宏图》却直奔主题.

用简单粗暴的吉利话和重复鼓点，精准狙击人们对“暴富”的集体渴望。

《大展宏图》是怎么洗脑大家的？

无外乎这几个点。

首先是他的鼓点非常魔性。

简单、重复、高频，像一台永动机般在耳边循环敲打。

这种节奏设计直接触发人类的“听觉本能”，让人不自觉地抖腿、点头。

甚至产生“听多了头疼但停不下来”的戒断反应。

其次加入了中国风的元素，一直在循环一个节奏。

最直观的感受就是听完上句就能哼出下句，刚高潮就猜到了结尾。

旋律重复到“听一遍就刻进DNA”。

这种混搭看似违和，却恰好戳中大众对“传统吉祥话”的集体无意识。

更不要说那洗脑的歌词了。

“大展宏图！财源广进！”

歌词宛如春节对联的Ctrl+C/V，用最直白的口号完成最粗暴的洗脑。

吉祥话的天然亲和力让听众自动降低审美防线。

音乐不再需要复杂的艺术性，只需要一个足够“抓耳”的片段。

不是说这些歌不好，但你至少无法用旋律感强来形容它们，就算有旋律，也没有把旋律用作强有力的表达工具。

尽管业内对“洗脑神曲”褒贬不一，但不可否认，它们占据了大众娱乐的真空地带。

你可能会说，这种歌的风格就是如此，本身就不应该有旋律。

但这正是我想提出的问题——

旋律过时了吗？

洗脑歌为什么抛弃旋律？

其实流行音乐并不总是缺少旋律，但某个时间点，流行乐发现了 hook 的强大，以及重复 hook 的洗脑性。

Hook 本意是钩子，在音乐中指的是一首歌特别能勾住人的地方，一听到就让人特别洗脑，能够一下达到爽点。

写一首好歌是非常耗时间的，但是 hook 不一样，它的投入产出比极高。

它不讲究这首歌作为一个音乐作品有多好，而是只要有一个能抓住注意力的 hook，就是一首成功的曲子。

尤其是在今天，时间被压缩，短小的 hook 比长的 chorus 更灵活，更利于病毒传播。

举个例子，《Seven Nation Army》。

这首歌就是一个简单的吉他 hook，用一个效果器让吉他的音域变得很低，听起来像贝斯。

本来这是乐队 The White Stripes 的歌，但因为这个hook，它就火了，变成球场chant。

所以现在的创作者都是按照这个标准去创作。

像《爱情买卖》《你牛什么牛》，它们一定是四四拍，不会使用切分音、三连音这种节奏难度相对较高的律动来处理音符，基本全程都是四分音符、两个八分音符这样的组合，连十六分音符都极少涉及，且大多在第一拍进入。

这两首歌的核心动机都是1、3、6这三个6级小调音组成

《小苹果》就更简单了，仅靠四分音符+八分音符便完成了整首歌，而且每个段落都是正拍进入：

而且旋律使用1-3个音很容易让人跟唱，这就能引发全民效应。

流行歌是需要大众性的，去旋律化的乐句可以很轻松达到这个目标。

就拿《最炫民族风》来说。

最低音（蓝色）和最高音（红色）之间，是11度。音程变化除了个别几处用到三度以上的变化（黄色），主要以二、三度的小跨度常规变化为主：

这些都是为传唱服务的。

因为对于没有声乐基础的人来说，舒适音域大概是10-13度左右。

所以如果要设计一首全民传唱的爆款神曲，音域跨度就不能超过这个范围，否则可能就会有高音唱不上去、低音低不下来的尴尬，阻碍传播。

而且音程也要尽量单一，不能按级进+跳进那么设计，想想看，一句二、三度小范围变化的旋律，突然来个五度大跳，一般人会很难适应。

而且目前的音乐趋势也是节奏取代旋律成为核心。

音乐的组成元素包括旋律、节奏、和声。

虽然从理论上看旋律的组合是无限的，但好听的旋律组合却是有限的。

比如 4 这个音，就很难用在开头，有的话大部分也是下行接 3，这是由这个音的性质决定的。

至于#1、3♭、#4、#5、7♭这几个音，基本不可能拿来开头。因为就不好听，很难展开去写旋律。

可能在爵士里我们会追求不和谐感，但对于流行音乐来说，顺耳度是很重要的，经过这么多年的发展，很多好的旋律已经被前人写完了，后人再想创作出经典的旋律是很困难的。

这就是为什么我们总能听到一些很像的旋律。

在这种情况下，音乐人就转向了节奏。

因为相比于和弦和旋律，节奏更能彰显个人风格。

就像五条人，他们喜欢用密集的节奏，以及短促的切分、延音、连音等等，让旋律产生一种似说似唱的感觉。

对比一下伍佰版和五条人版的《Last Dance》，就会非常明显。

伍佰的原版，都是节奏均匀的八分音符，很平稳：

而五条人版的，将节奏切分成十六分音符，更有舞的律动感：

一首歌的空间是有限的，如果中心让步给了节奏，旋律自然就少了。

尤其是像 Billie 这种，本身的节拍就是不规则的，这时候如果主旋律写的特别复杂，就很容易跟节奏打架。

洗脑神曲不在乎创作人？

并不是说去旋律化不好，每个时代都有自己的风向标，只是在这个只靠 hook 和 beat 的时代，我们的音乐越来越单一。

而且我们会越来越不在乎歌手是谁。

虽然听众才是歌曲好坏的评审官，但是对于音乐公司来说，这种方式是有风险的。

因为把一个歌手从幕后推到舞台上的花费已经高出天际，靠听众决定歌手的好坏，就像是赌博，他们可能会血本无归。

与其找一个有才华的歌手，还不如找张年轻漂亮的脸，然后通过曝光效应像洗脑一样的强迫观众喜欢他们，这样才能降低财务上的风险。

⌈曝光效应⌋ 指的是人们会喜欢上经常看到或者听到的东西。

所以相比于演唱，你会看到他们更频繁地出现在影视剧和各种综艺上，娱乐公司花了大笔的钱，确保这些人出现在每一个地方，你根本没有办法逃离魔掌。

音乐制作方式的转变也加速了歌红人不红的现象。

这一点在偶像歌手身上最为明显，尤其是韩国，他们的作曲策略就是群体作战。

制作公司不会花钱买 beat，他们直接把看上的 beatmaker“加进群聊”，一起组成制作 camp。

2NE1和Will.I.AM

Wiil.I.Am是黑眼豆豆创始人，手握7座格莱美

就像少女时代的《I Got A Boy》，光是词曲栏就有36个名字，制作人栏也有15个，而且这些人的国籍几乎覆盖了半个地球。

这种合作模式是将所有音乐人的想法都融合在一起，每一个人专注于自己擅长的那部分。

所以你会在一首歌里听到很多音乐元素，这是非常新奇的体验。

比如《I Got A Boy》就包含Hip-hop，Pop Rock，EDM，Bubblegum Pop和现代R&B五种风格。

不仅在billboard美国区拿下冠军，还连番被时代杂志和滚石杂志安排了封面，甚至还被B榜官网评选为“定义了十年的歌曲”。

在这种情况下，制作公司当然不会在乎歌手是谁，因为这首歌一定会火。

至于演绎者，谁都无所谓，反正公司肯定能赚到钱。

在今天，音乐的功能也变了，它是 BGM 而非独立的作品。

很多时候音乐是作为影视剧和游戏的配乐出现的，是那些更综合的艺术形式中的一环，也就是说它越来越需要一个场景。

这个变化不仅会影响创作，也会改变歌曲生产的方式。

因为适用场景越百搭的歌才越容易火，而这种歌一般都比较口水。

歌曲分发方式的改变也让好歌更难被人们找到了。

过去的发歌成本很高，从词曲创作到前期宣传、渠道分发，每一步都花费不菲，听众也是真金白银地买唱片，而且都是线下渠道，成本更高。

高成本的支持自然会期待高质量的回报，这本身就是一种监督和制约。

但现在各种技术的出现让出歌成本变低了，每个人都能做歌，还可以免费发布在任何平台。

这些歌也不用收费，听众的支持成本很低，所以歌曲的质量不用太高，旋律也不需要多复杂，只要还可以，就能火。

就算难听也不会被骂的很惨，直接退出就行。

久而久之，创作和听众就陷入了死循环。

于是，手机里的音乐还是那些老歌，听了一遍又一遍，然后翘首以盼地等待十年前的老将们发歌。